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Paolo Pelizza

Paolo Pelizza

Generazioni III Parte.

Generazioni III Parte.

Ovvero: il punk e il prog, South Bronx, la musica in scatola, l’inizio di una (o della) fine (?).

La seconda metà degli anni Settanta vede la prolificazione di due generi che potremmo definire antitetici. Il primo è parte di un movimento più ampio che condiziona e condizionerà stili di vita, fede politica, arti visive, letteratura e modo di vestire oltre alla musica: è il punk, letteralmente “ da due soldi” o di scarso valore.  Si tratta di una cultura giovanile volta alla disruption cioè alla demolizione o al superamento di quanto la società borghese impone(va) agli individui. Chi vi aderisce è anarchico, nichilista, abbraccia uno stile nel vestire stravagante (seppur non privo di un codice preciso) coronato da capigliature colorate e bizzarre e ha scarsa attenzione per l’igiene personale. Ne deriva una musica rozza, eseguita (per lo più) da autodidatti o, comunque, da musicisti non particolarmente virtuosi, rumorosa, senza nessuna concessione melodica. Ok, detta così sembra una cosa di poco conto, invece … Invece, quella musica ribelle attraverserà i decenni, si evolverà e vincerà la sfida del tempo. Il movimento, nato negli States e in Gran Bretagna, ben presto si diffonderà in tutta l’Europa continentale sia nella sua forma pura che in quelle (più interessanti) evolute e spurie. Il punk è la punta dell’iceberg di una tensione ribelle volta a sovvertire tutti i canoni precedenti siano essi sociali o estetici. Questa dichiarata intenzione lo rende estremamente appealing. Dai “rumorosi” Sex Pistol , ai Ramones, ai più raffinati Clash, nella musica il genere si arricchisce di esperienze, di suffissi e desinenze come pop, post, reggae, etc.

Vi è un’evoluzione anche per quanto riguarda la fede politica dall’anarchia delle prime band si passerà alla sinistra dei Clash e, addirittura, all’essere per la Regina dei The Jam. Un’evoluzione continua che porterà a ispirare altri generi come, ad esempio, il grunge molto di moda negli anni Novanta. Ma, è nella sua stessa genesi che si può presupporre questa possibilità di crescita e continuità evolutiva: molti gruppi e solisti che erano garage, glam, etc. si sono poi potuti definire proto- punk, in una concezione stucchevolmente anglosassone per la quale le etichette sui barattoli si possono mettere sia durante, sia postume. Il genere è sopravvissuto (a nostro parere) anche per ragioni sociali. Nel Regno Unito già si presagiva l’arrivo di un governo conservatore che avrebbe con grande rigore tagliato “i rami secchi” delle attività produttive nazionalizzate che stavano affossando l’economia britannica. Infatti, la Gran Bretagna, proprio in questo decennio entra nel Mercato Unico Europeo (dopo aver elemosinato questa possibilità dagli anni Cinquanta e aver sempre ricevuto un diniego secco per il veto dell’ingrata Francia). Nel 1979 la signora Thatcher entra a Downing Street e inizia un programma di riforme che (pur salvando il Paese) ebbero una ripercussione sociale pesantissima soprattutto sulla working class. Arriverà anche Reagan per non privarsi di nulla.

L’altro genere è il prog o meglio, progressive rock. Siamo agli antipodi: il termine “progressivo” indica un distaccamento dalla radice blues del rock e la contaminazione (colta, aggiungerei) con altre forme musicali. Una sorta di progresso nelle melodie, nelle armonie e nei temi. Gruppi e musicisti sono (quasi) sempre personaggi che hanno alle spalle scuole di musica frequentate con profitto, appartengono alla middle-high class e sono mediamente colti in generale. Anche l’esperienza del prog si diffonderà dalla grande Isola al continente, generando movimenti simili in Italia (dove costituisce il momento più alto della nostra musica di sempre, a nostro avviso dopo i classici), in Francia e in Germania Ovest. Forse l’eccessiva ricerca nel virtuosismo, l’idea dei concept album (album fatti di pochi pezzi molto lunghi legati da un tema o una storia), la contaminazione e l’ispirazione da forme più colte (sopra tutte: la musica barocca e Bach) resero più difficile una diffusione più ampia. Tuttavia, questa esperienza si può ascrivere tra le pagine migliori della musica del Novecento e, certamente, condizionerà i migliori che negli anni successivi si sono cimentati nel creare e fare musica. Band come Jethro Tull, Genesis, Yes, King Crimson, Emerson Lake & Palmer, Rush tra gli altri hanno  contribuito a costruire modelli stilistici solidi mescolando sapientemente classica, folk, jazz e krautrock diventando i musicisti “fighetti” e, quindi, odiati dagli esponenti del punk. La derivazione dalla psichedelia, tra l’altro, non inquadrava per la maggioranza temi politici o sociali che, quando presenti, erano rappresentati sotto la forma del sottinteso o dell’allegoria.

Nel frattempo, nella zona popolare della Grande Mela chiamata South Bronx, uno sparuto gruppetto di dee jays  sperimentano la tecnica del “campionamento” che si fondava sul prendere una parte di un brano e accoppiarlo ad un’altra parte dello stesso brano o di un altro, in modo da ottenere un segnale continuo. In pratica, ottenere una base da parti di un’altra o di altre.  Questi ragazzi diedero vita ad un genere che, all’inizio, fu chiamato reggaeton   in onore della prevalente origine caraibica degli esecutori che, su queste basi, improvvisavano testi cantati. Questa tendenza uscirà rapidamente dai clubs per diventare parte di una sottocultura di strada. Alla fine degli anni Settanta, non era infrequente incontrare gruppi di ragazzi neri che attaccando grosse casse audio alle loro autoradio o con enormi hi fi portatili si riunivano agli angoli delle vie a ballare e cantare con il tipico e obbligato stile cadenzato. Il potere di aggregazione e la possibilità infinita di basi potenzialmente a disposizione creeranno ben presto una vera e propria street culture che si mescolerà con la street art venendone condizionata e condizionandola.  Questo modo semplice di fare musica diventerà nei decenni successivi la colonna sonora dei ghetti e si propagherà dalla East Coast a Ovest, diventando musica  gangsta (troverete una vasta storiografia sulla genesi di alcuni rapper ex malavitosi) e da lì troverà fortuna anche nel Vecchio Continente dove  diventerà di gran moda (specialmente in Italia e in Francia). Oggi la conosciamo come hip hop o rap (anche se questo temine è più legato alla tecnica di canto che al genere).

Il decennio successivo comincia con la nascita di una teoria industriale diversa sulla musica e con la nascita delle tv musicali. Un colosso come la Warner decide di investire su artisti già famosi e di renderli più pop. Scopo dell’operazione: vendere. Così sguinzaglia Nile Rodgers a caccia di talenti emersi o emergenti allo scopo di far firmare contratti per averli in batteria. Rodgers punta ai bersagli grossi e, forte di un budget impressionante, fa “vittime” illustri. Il più famoso è tale David Bowie che firma un contratto record per l’epoca… I sedicenti informati parlano di diciassette milioni di sterline. E’ l’inizio di un processo di omologazione che, però, non riesce immediatamente. Questo perché i “polli da batteria” rapiti da compensi pesantissimi erano tutt’altro che polli e avevano ancora più di qualcosa da dire e, per raccontarla tutta, i produttori britannici più poveri, avevano ancora assi da gettare sul tavolo. Non si può negare che, a parte i più populars costruiti per piacere a tutti, negli anni Ottanta si fece anche “roba” di qualità. Nel pop e nel rock, nella contaminazione tra i generi: penso a Michael Jackson (non tutto), Gun’s & Roses, allo stesso Bowie, agli Inxs, Depeche Mode, agli immensi The Smiths (a proposito di post punk) … questi solo a titolo di esempio. So cosa state pensando: i Duran Duran? Gli Spandau Ballet? Madonna? Ogni nome che faccio o ometto apre parentesi infinite e ci sarebbe da scriverci fiumi di inchiostro, perciò portate pazienza … ci torneremo ma senza i suddetti fiumi.

La TV musicale e la nascita del videoclip è un’ulteriore arma a doppio taglio. I video che arrivano direttamente a casa tua (alcuni veri e propri film brevi di altissima qualità cinematografica) permettono di conoscere un’artista o un singolo e questo è positivo perché poi si va da Mariposa (un celebre negozio di dischi milanese) a sentire l’LP e si decide se vale la pena o no. D’altra parte, però, la musica passa in secondo piano rispetto alla qualità delle immagini, allo storytelling e (diciamolo) al sex appeal degli artisti e al loro look. E’ la nascita dell’artista/celebrità che deve piacere lui prima della sua produzione. Giochiamoci poi il carico che queste emittenti avevano editori che dovevano raccogliere inserzionisti per stare in piedi e che farsi guardare da più gente possibile faceva la differenza tra vivere o scomparire. Non si possono non comprendere le ragioni di un imprenditore ma, questa attitudine, toglie quell’elemento di simpatia spontanea e di riconoscimento di valore che prima erano gli unici parametri. Categorie che scompariranno quasidel tutto con l’arrivo della rete.

di Paolo Pelizza

© 2017 Rock targato Italia

 

Generazioni, l’intervallo e Alice Cooper.

Generazioni, l’intervallo e Alice Cooper.

Interrompo temporaneamente la serie di “Generazioni” per tre ragioni. Prima, mi corre l’obbligo di parlare con voi e di voi: di affetto, stima e critiche costruttive che apprezziamo tantissimo , sono lo sprone per continuare a scrivere e condividere autenticamente i nostri punti di vista e le nostre “Visioni”. Poi, abbiamo visto il concerto di Alice Cooper all’Alcatraz a Milano e volevamo raccontarvelo. Infine, volevamo rendervi partecipi di tre chiacchierate fatte con amici e che hanno dato il “calcio d’inizio” ad una iniziativa che spero possa essere interessante.

Per cominciare, dobbiamo ringraziare sinceramente e con trasporto tutti i nostri lettori e, in particolare, quelli che commentano e criticano i nostri testi. Alcuni complimenti ci riempiono di gioia e ci spingono ad andare avanti con sempre maggiore convinzione ed impegno nella nostra ricerca tra passato e presente, sperando che il futuro veda maggiore qualità generalizzata e la fine di un appiattimento che nella musica, così come in altri linguaggi espressivi, tutti stiamo subendo.

Altra menzione d’onore è per i critici. Sul web è veramente facile lasciarsi andare a sproloqui ed insulti: au contraire, i miei critici sono sempre puntuali, sagaci e corretti. Ascoltare le loro istanze, a noi è utilissimo per progredire e guardiamo a loro sempre con attenzione e interesse.

Alice Cooper è un altro pezzo di Storia. Sul palco le sue sessantanove primavere non gli sono d’impaccio. Anzi, ci regala una performance all’altezza di epoche più verdi se non migliore. I grandi Vecchi sono sempre una garanzia. Vincent è sempre lui con le sue atmosfere grandgrignolesche tra Baron Samedi haitiani e il romanzo gotico del XIX secolo. Il repertorio immaginifico è quello di sempre con maschere di clown inquietanti, ghigliottine e un Frankestein che sembra uscito dalla trasposizione cinematografica del capolavoro di Mary Shelley di Rob Zombie. Lo so, il regista non si è mai cimentato con il mostro ma, da un punto di vista iconografico, quello sarebbe stato l’aspetto della creatura se mai avesse voluto farlo. La scaletta prevede i grandi classici: da Poison, a Feed my Frankenstein e si conclude con School’s Out.

Poison è anticipata da un’esplorazione della sempre virtuosa Nita Strauss che cerca (e trova) tutte le scale presenti sul manico della sua chitarra. Poi diventa un’orgia di voci per la partecipazione entusiasta del pubblico. La band di Alice Cooper è notevole e una speciale citazione la merita il batterista. Glen Sobel è aggraziato come una majorette, vigoroso come un fabbro e preciso come un metronomo. Di grande suggestione e  bravura il “solo” in cui si cimenta. School’s Out chiude dopo un’ora e mezza precisa … Tutto molto bello ma, forse un quarto d’ora in più ce lo potevano concedere. Non c’è comunque molto di cui lamentarsi vista la qualità generale dello show e della musica. Se possiamo trovare un piccolo neo: il palco dell’Alcatraz è posto piuttosto in basso e (complice anche la mia statura posta anch’essa abbastanza vicina al pavimento) era difficile vedere bene dalla platea.

Il vecchio rocker è ancora capace di regalarci divertimento, qualità ed emozioni con la sua indomita grinta.

Sempre durante questi giorni abbiamo avuto alcuni vivaci scambi di opinione. Non allarmatevi: ci vogliamo ancora tutti bene. La cosa comincia con un amico a nome Daniele che ci invita a non farla così lunga. La musica, alla fine, è un passatempo. Il mio amico è più giovane di me e, mentre dentro di me sta per partire il “pippone”, mi rendo conto che sarà molto difficile che lui la possa pensare diversamente. Così mi risparmio di spiegare che la musica è l’unico linguaggio universale, che dentro di sé porta suggestioni e racconti, che ha sostenuto e ispirato rivoluzioni, che ha portato i messaggi più alti ad un’umanità che diversamente non li avrebbe capiti, che attiene alla nostra più profonda identità (quella di essere umani) … che ci insegna altri punti vista, ci regala un’altra rete interpretativa, che oltrepassa muri e barriere.  La musica è quella carezza che asciuga le nostre lacrime o le scioglie disfacendo il groppo che abbiamo in gola. Dire che la musica è solo un passatempo è come dire che la Divina Commedia e Ulysses sono solo carta, che Il Cielo sopra Berlino è solo cellulosa spruzzata di sali d’argento. Purtroppo, devo rendermi conto, e ne parleremo meglio nella terza parte di Generazioni (e , forse, ne sarà necessaria anche una quarta!), che dall’invenzione delle TV musicali, dei talents show, dei fenomeni della rete questo sarà il giudizio di un pubblico omologato da sedicenti artisti anch’essi omologati, dai geni del marketing, da editori radiofonici piegati alle esigenze degli inserzionisti: è solo intrattenimento. Si vendono le celebrità non la musica.

Così esprimo questo mio pensiero a Massimiliano Morelli (un amico di recente acquisizione, poeta e anima creativa della band metal Feral Birth) e mi becco del “passatista”. Max conia questo neologismo perché pensa che io sia convinto che non si possa più fare buona musica, oggi. Mi spiega che, probabilmente, c’è qualcuno che sta scrivendo l’equivalente contemporaneo di Eleonore Rigby in questo momento. Per chiarire questo punto: io sono convinto che ci sia molta qualità in giro. Non  farei il giurato a Rock Targato Italia, che ne è la dimostrazione pratica, se no. Credo, però, che le dinamiche di un mercato profondamente mutato non mettano più a disposizione molti spazi. Oggi i Led Zeppelin sarebbero una nicchia non avrebbero venduto centinaia di milioni di dischi. Poi, quali dischi? Chi li compra più? Oggi, non si ascoltano gli album, si scaricano i singoli spesso gratis e illegalmente (e voglio essere buono!). Difficile per chi, pieno di talento e qualità, voglia emergere dal mondo indipendente ad un mainstream sempre meno autentico e sempre più inginocchiato a logiche artefatte che stanno impoverendo la nostra cultura, la nostra sensibilità e la nostra capacità di leggere il reale.

Infine, dopo essere stato definito “passatista” mi chiama il mio editore e organizzatore di Rock targato Italia (di cui ho una stima ed un affetto assoluto) che mi dice che sono tecnofobo … Settimana difficile, direte voi. Invece no. Proprio per questo abbiamo deciso di organizzare un’occasione di confronto pubblica che, vi anticipiamo, sarà presso Ligera a Milano il giorno 11 febbraio prossimo venturo e, alla quale, sarete tutti invitati. Io ho già detto a Max Morelli che io partecipo (e ci sto a farmi maltrattare) se mi permette di leggere almeno un paio di sue poesie. Vi daremo maggiori dettagli più avanti e, anche, il titolo e tema dell’incontro.

In conclusione, non sono pessimista sono terrorizzato. Lo sono di più per i nostri figli e nipoti che per me stesso. Voglio pensare che si possano portare ancora i ragazzi ai concerti, al cinema e a teatro. Che si possa portarli in libreria per comprare i libri di carta e non solo il nuovo videogame per la PS18. Che si insegni a loro che se non pagano il frutto dell’impegno altrui, soprattutto quello dei veri artisti, sono destinati a diventare culturalmente e definitivamente schiavi.

di Paolo Pelizza

© 2017 Rock targato Italia

Generazioni II Parte.

Generazioni II Parte.

Ovvero geli e disgeli, il primato dei Britannici (sulla scorta dell’esperienze di oltreoceano), la fine della sporca guerra, Lucifero Vs. il borghese benpensante, tre volte Berlino, la crisi del petrolio e l’ascesa del metallo.

Ritorniamo alle Visioni con la seconda parte di Generazioni, scusate la rima. Ma, prima di entrare nel vivo, consentitemi di ricordare un  altro grande che ci ha lasciato nei giorni scorsi. Viviamo anni in cui i giganti cadono … L’ultimo è stato Malcolm Young, malato da tempo, anima creativa degli AC DC. Un grande musicista dentro a una delle più grandi band del rock and roll. Ci uniamo al cordoglio dei familiari (del fratello Angus, in particolare) e di tutti quelli che fan o non fan hanno amato la grande musica.

Se andiamo avanti così, temo che resteranno solo i nani, immutabili come quelli da giardino, con le loro musichette da intrattenimento, quelli che passano come passatempi inutili e sciocchi, quelli che staranno alla storia come una piuma su uno specchio.

Torniamo all’inizio degli anni Settanta. La guerra in Vietnam è un ginepraio sia sul teatro che negli Stati Uniti. Il presidente Nixon non riesce causa impeachment per lo scandalo Watergate, a mettere in atto una strategia che prevedeva un gigantesco bluff: avrebbe minacciato di bombardare il Vietnam con tutto quello che aveva. Nel 1975 è costretto a chiudere le ostilità e a consegnare la vittoria a Ho Chi Min. A Nixon, succede Ford, ex grande giocatore di football. Di lui ricordiamo l’amnistia concessa alo stesso Nixon e poco altro. Sembra che qualcuno, per il suo passato da atleta, abbia ritenuto che avesse preso troppi colpi in testa senza indossare il casco. I rapporti con l’altra superpotenza rimangono tesi fino all’arrivo alla Casa Bianca di Carter, democratico e progressista. Apprezzerà la denuncia dei crimini dello stalinismo da parte di Nikita Chruscheev (dimenticando il Muro e la repressione in Ungheria) e inaugurerà una fase di distensione con il suo successore Breznev (che ottiene il posto dopo aver cospirato contro lo stesso Chruscheev). Fase destinata a finire con l’invasione sovietica dell’Afghanistan (altro paese di cui, allora, si ignorava l’esistenza) da parte dell’Armata Rossa. Jimmy Carter era sicuramente un pacifista ed un uomo animato da grandi principi morali, anche se politicamente inesperto. La politica estera poco aggressiva nei confronti dell’URSS gli valsero molte critiche e la sconfitta elettorale a favore del repubblicano Reagan oltre che un Premio Nobel per la pace. Carter ha continuato fino alla data della sua morte a battersi per una pace stabile ed equa a livello globale.

Nel 1977, USA ed Europa occidentale devono fare i conti con una crisi di approvvigionamento del greggio che porterà problemi agli apparati industriali. La spinta di una nuova crisi, gli ammortizzatori economici insufficienti, per le fasce più deboli, la frustrazione per una rivoluzione mai partita verso il Sol dell’Avvenire daranno vita a movimenti di lavoratori e studenti che sfoceranno in vere e proprie organizzazioni clandestine che porteranno avanti la lotta armata … In Italia ne sappiamo qualcosa, purtroppo.

In Gran Bretagna, l’esperienza di alcune band e quella degli Stones , porteranno la ricerca (più famosi degli altri) a “sciacquare i panni” (perdonerete la citazione del Manzoni) sul delta del Mississippi … Ormai, il blues dei Johnson e degli Waters sono le più grandi fonti di ispirazione per i musicisti dell’isola. Così si sviluppa una esplorazione di suoni, di stesure asimmetriche, di regole sovvertite. Così nascono generi e sottogeneri e cambiano i temi. I testi sono meno politici (a prima vista), a volte sono mistici nel recuperare una tradizione spiritualista nordeuropea o filo-satanista di maniera e neo-pagana, altre volte si tratta di storie allegoriche. Pensate ai Led Zeppelin nel primo caso, ai concept album delle grandi band prog nel secondo.  La varietà è enorme, così come la qualità. L’industria statunitense arranca … ha poco di suo e volge il suo sguardo verso gli artisti europei. Così major della musica come RCA mettono sotto contratto tale David Jones, in arte David Bowie. Costui è uno dei massimi esponenti del glam rock insieme a Marc Bolan.  Mentre, il genere diventa sempre più commerciale e pop (troppo per Bowie), il nostro comincia a guardarsi attorno e scopre Berlino Ovest.

Si documenta e ascolta Tangerine Dream, Neu!, Kraftwerk ed altri esponenti di quello che era definito krautrock, musica cosmica. Ma Berlino è più di una città dove musicisti con grande talento e pochi mezzi si esercitano: è un’oasi di libertà assoluta, l’incarnazione dell’anarchia. Abitata e percorsa da dissidenti, spie, tossici, spacciatori è, anche, il posto meglio collegato con ponti aerei al resto d’Europa per favorire i ricongiungimenti familiari tra i suoi abitanti e i loro parenti che vivevano nella Germania Ovest. Berlino diventa un concetto per artisti come Iggy Pop (che ci arriverà insieme a Bowie), Lou Reed (Berlin è il suo miglior lavoro) e lo stesso Bowie. David Bowie agli Hansa Studios batte tre colpi: Low, Heroes e Lodger. I tre album più significativi nella storia degli anni Settanta e per noi, della seconda metà del Novecento. Così niente è più come prima l’elettronica relegata come forma minore o minimalista diventa un genere importante e condizionerà tutto quello che verrà dopo, soprattutto, nel modo in cui viene usata dentro alla trilogia berlinese. Ai tre album collaborano i più grandi da Carlos Alomar a Robert Fripp, allo stesso James Newell in arte Iggy Pop.

Nel frattempo, nella terra di Albione, Led  Zeppelin,  Deep Purple e Black Sabbath (che partono prima per evolversi senza soluzione di continuità fino al 2017) mettono a punto una musica dura, a tratti dissonante, fatta di suite e imprevedibili velocizzazioni, di diminuite, di dinamiche che cambiano. La radice è inequivocabilmente quella del blues ma, suona in modo diverso e le stesure ricordano di più le partiture classiche. Un giorno qualcuno dirà (mettendo l’etichetta) che questa musica si chiama Heavy Metal e che queste band sono state gli antesignane del genere. Si può  o meno condividere ma, sta di fatto, che alla fine del decennio e all’inizio degli anni Ottanta, il genere ha grande successo e ispirerà modi di dire, di vestire e stili di vita così come aveva fatto il punk.

Testi e iconografia riportano alla Bibbia, al Deuteronomio, al Levitico e all’Apocalisse. Il demonio è sempre molto presente. E’ una presenza diversa da quella del decennio precedente o di alcuni contemporanei. La logica della presenza di Lucifero nella musica degli anni Settanta era puramente provocatoria: noi siamo diversi dalla borghesia benpensante, noi pensiamo con la nostra testa senza che leader politici o religiosi ci dicano cos’è bene o male. Qualcuno potrà eccepire su questa mia semplificazione. E’ vero: Alistair Crowe è sulla copertina di Sgt. Pepper dei Beatles, è stato fonte di ispirazione per Jimmy Page e Robert Plant, gli Stones scrivono Simpathy for the Devil … Non credo che nessuno (o quasi) di loro si sia dato al culto demoniaco, al d là delle accuse ricevute e delle provocazioni attuate. Nel Metal, il diavolo diventa un personaggio letterario. Esce dai testi sacri e da quelli della letteratura gotica del XIX secolo per popolare i brani di queste band. Anche qui, è un ritorno al “classico”.

Per ora ci fermiamo qui. Torneremo  al prog, negli USA nello stesso decennio per poi entrare negli anni Ottanta con Reagan e il Grande Satana e la nascita del pop.

di Paolo Pelizza

© 2017 Rock targato Italia

Lezioni di Volo

Lezioni di volo.

E’ il 3 ottobre scorso. La radiosveglia suona … sono le 07.40 di mattina. Uno speaker annuncia che lo sciopero del trasporto pubblico previsto per il venerdì successivo è confermato. Tutta la mia simpatia per la working class e i loro diritti si dissolve. Per un attimo. Mi precipita addosso il disagio che questo provocherà a me e a tutti i milanesi. Poi, mi pento … Mi ricordo che so essere meglio di così.

Il senso di colpa poi, si abbatte violentemente su di me quando, lo stesso annunciatore, comunica che il giorno precedente si è spento Tom Petty, stroncato da un infarto prematuramente. Mi deprimo ulteriormente, quando mi rendo conto che, in questi anni, non l’ho citato spesso …nonostante, credo di aver ascoltato il primo album Tom Petty and The Heartbreakers milioni di volte e di aver ascoltato il primo singolo di successo  Breakdown talmente tante volte da aver consumato molte puntine. Abbastanza, comunque, per trasformare l’acquisto di queste come la prima voce di costo del bilancio familiare.

Tom Petty è ed è stato un Numero Uno. Poco conosciuto in Europa per due ragioni, secondo me.

Credo che, nella seconda metà degli anni Settanta, l’affollamento di “roba buona” nel Regno Unito e nel resto dell’Europa continentale era assoluto. Provate a pensare: The Who, Led Zeppelin, David Bowie, Neu!, Kratwerk, Genesis, Yes, King Crimson, Emerson Lake and Palmer, Rolling Stones e tutti gli altri.

L’altra ragione, non meno importante, è che (io che  ho amato alla follia Damn The Torpedoes!) un LP super-popular non ce l’ha avuto … gli sono mancati album come … così per dire e senza fare paragoni, The River o Born To Run capaci di catturare un pubblico molto vasto e di gusti eterogenei (nella storia degli ultimi decenni, gli europei sono stati questo tipo di pubblico).

Negli Stati Uniti è stato un artista importante, seminale direi. Il suo rock molto contaminato da blues e folk ha un sound alternativo che a volte scala le classifiche e a volte no ma ha sempre elementi di grande interesse, quando non innovativi. A volte, sono i temi che lo penalizzano. Basti ricordare l’album The Last DJ. Il tema era una forte critica all’industria discografica (oramai alla fine dei giorni, siamo nel 2002 … tutti intrappolati nella “rete”) e che viene puntualmente massacrato.

Ricordiamo le sue molte importanti collaborazioni: Bob Dylan, Dave Stewart e George Harrison su tutte.

Potrei andare avanti con un bel “coccodrillone” per altre due pagine. Per fortuna, io non sono un giornalista;  sono solo un appassionato amante della materia. Voglio solo significare che, dall’inizio dell’anno passato, abbiamo perso i più grandi musicisti che il Novecento ci aveva fatto ereditare. Oramai, con cadenza bimestrale assistiamo a morti a volte premature, a volte inspiegabili, a volte attese o annunciate dall’età o dalle condizioni di salute. Qualcuno può dire che è il normale ciclo della vita. Ha ragione. Tuttavia alcune morti, come quella di Tom Petty, sono molto più che colonne di cronaca più o meno lunghe.

Per me, Tom Petty è stato un compagno di viaggio non la soundtrack dell’autoradio. Lui, così come molti altri.

Per questo, dalle 07.45 del 2 ottobre mi si accende in testa Learning to fly e così comincio a scrivere questo pezzo, sapendo che non sarà né quello più ispirato, né il migliore e, forse, nemmeno il più letto. Fino a stamattina (15/10/2017 N.d.A), non sono nemmeno convinto che riuscirò a finirlo. Ho già completato la trilogia di Generazioni di cui ho pubblicato già la prima parte … mando la seconda, penso.

Altri sensi di colpa.

Prendo tempo.

Finalmente, intuisco che il brano che suona dentro la mia testa, non lo sta facendo a caso. Tom (e gli altri) ci hanno dato lezioni di volo.

E’ attraverso la loro musica che è cominciato e abbiamo continuato il nostro viaggio di scoperta.

Grazie Tom per averci insegnato a provare a volare.

La cosa più difficile, adesso, è tornare giù.

N.d.A.: la seconda parte di Generazioni uscirà la prossima settimana. In coda, come promesso, vi renderemo conto della pieces teatrale A Night in Kingshasa di Federico Buffa e Maria Elisabetta Marelli che abbiamo visto e, ci scuserete se, per ora, non vogliamo anticipare nulla.

di Paolo Pelizza

© 2017 Rock targato Italia.

 

 

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